A Morte de Mário Viegas a 01 de Abril de 1996 na Imprensa

João Soares Homenageia a Companhia Teatral do Chiado - Frente a Frente de 02 Agosto 2011

António Manuel Couto Viana - 1923 - 2010

(Ilustração de Afonso Cruz)

O poeta da Távola Redonda - António Manuel Couto Viana nasceu em Viana do Castelo, em 24 de Janeiro de 1923. O Teatro Sá de Miranda era propriedade de sua família e lá começou a dar os primeiros passos na arte de representar e estreou a sua primeira peça de teatro infantil, "A Rosa Verde". Em 1946, foi viver com a família para Lisboa onde conheceu Sebastião da Gama, David-Mourão Ferreira e Vasco Lima Couto. David-Mourão Ferreira, conhecedor da sua paixão pelo teatro, levou-o para o Teatro Estúdio do Salitre onde se estreou como actor, figurinista e encenador. Em 1948, estreou-se na poesia com o livro "O Avestruz Lírico" e desde então publicou dezenas de obras. Entre 1950 e 1954 dirigiu, com David-Mourão Ferreira, Luiz de Macedo e Alberto de Lacerda, os cadernos de poesia "Távola Redonda". Mais tarde dirigiu a revista cultural "Graal" e fez parte do conselho de redacção da revista "Tempo Presente" (1959-1961). O culto do passado está presente em toda a sua obra poética, em oposição ao neo-realismo que era na época a corrente literária dominante. Couto Viana fez parte da direcção do Teatro de Ensaio (Teatro Monumental), Companhia Nacional de Teatro e foi empresário e director do Teatro do Gerifalto, onde apresentou dezenas de peças para crianças. Encenou óperas para o Círculo Portuense de Ópera, Companhia Portuguesa de Ópera (Teatro da Trindade), foi mestre de arte de cena do Teatro Nacional de S. Carlos e orientador artístico da Oficina de Teatro da Universidade de Coimbra. A sua obra foi distinguida com vários prémios e foi condecorado pelo Governo Português e pelo Governo Espanhol.

"António Manuel Couto Viana é poeta, contista, ensaísta, actor, dramaturgo, encenador e figurinista. Entre a Poesia e o Teatro ainda há espaço para a Ópera e a Gastronomia. Reformou-se como Mestre de Cena do Teatro S. Carlos mas está desejoso de se reformar da reforma porque o seu quarto, na Casa do Artista, é uma oficina onde trabalha noite e dia.

Está a escrever três livros ao mesmo tempo, um sobre poetas do Minho, que fica concluído ainda este mês, outro de ensaios, estudos e memórias de viagens e outro ainda de poesia. Nos intervalos faz prefácios e conferências. Uma vida em cheio que recomeça todos os dias, vai para 83 anos. O teatro também tem lugar na sua oficina de reformado. Está a desenvolver um projecto de Teatro Sacro, com os franciscanos do Convento da Luz, em Lisboa.
Autores - A reforma está a dar-lhe muito trabalho?

António Manuel Couto Viana - Desde que estou a viver na Casa do Artista tenho trabalhado imenso, aqui tenho excelentes condições, isto é um projecto extraordinário. Neste momento estou a concluir o terceiro volume dos poetas minhotos, é uma encomenda da Câmara Municipal de Viana do Castelo. O livro inclui 22 autores e tem de estar pronto até final de Dezembro.
São poetas conhecidos do grande público? _Alguns são apenas conhecidos nas suas terras de origem mas figuram na antologia nomes como António Pedro, Tomás de Figueiredo, que não nasceu no Minho mas sempre se considerou um minhoto do coração, e Amândio César.

E o livro de ensaios? _Não é apenas um livro de ensaios, é um livro sobre escritores e literatura, obras e correntes literárias, memórias da minha vida, viagens. É o meu último livro, estou com 82 anos e vou ficar por aqui. Incluo nesta obra um estudo sobre Amélia Janny, uma poetisa do final do século XIX, parnasiana, formalmente perfeita, muito apreciada por Teixeira de Pascoaes e António Feliciano de Castilho. Ela foi contemporânea de João de Deus, que lhe dedicou um poema. Era filha de Correia Caldeira, um minhoto que fez carreira universitária em Coimbra e era sobrinho do célebre Cardeal Saraiva. A Câmara Municipal de Coimbra editou as obras completas de Amélia Janny.

O contista Couto Viana nasceu este ano. É para continuar? _Nunca me passou pela cabeça que o meu livro de contos ("Meias de Seda Vermelha e Sapatos de Verniz com Fivelas de Prata") tivesse tanto êxito. Está concluído um segundo livro de contos, "Os Despautérios do Padre Libório", na mesma linha do primeiro, são 11 contos irónicos, quase satíricos, na maioria pícaros, onde retrato uma época que não vivi - o final do século XIX, princípios do século XX - mas que me chegou por relatos da família.

Quando é editado? _Isso queria eu saber. Para já, não tenho editor, mas também tenho preguiçado a edição do livro, estou a trabalhar em coisas mais imediatas.

Ainda se recorda da sua primeira peça de teatro, no S* de Miranda, em Viana do Castelo? _Fiz l* tanta coisa... O teatro era nosso, herdado do meu avô. Ainda estudante do liceu, fiz lá muitas revistas. A minha vedeta era Estela Varajão, hoje viúva do marechal Costa Gomes. Mas lembro-me perfeitamente do último espectáculo, foi a pedido da minha mãe, que queria angariar receitas para o Socorro de Inverno, uma iniciativa filantrópica através da qual as senhoras de Viana conseguiam dinheiro para os pobres. Levei à cena "A Rosa Verde", a minha primeira peça de teatro infantil. As senhoras de Viana do Castelo queriam que os filhos entrassem no espectáculo e a minha mãe vinha pedir-me mais um papel para o filho ou a filha desta e daquela. Entrou na peça uma multidão.

E depois do Sá de Miranda o Teatro do Salitre? Após "A Rosa Verde" a minha família mudou-se para Lisboa, corria o ano de 1946. Um dia fui ao Café Chiado, que era propriedade de Júlio Dantas, encontrar-me com o poeta Sebastião da Gama, que me apresentou David-Mourão Ferreira. Organizámos um recital de poesia na Faculdade de Letras, onde é hoje a Academia das Ciências. O declamador foi Vasco Lima Couto. Na época, os declamadores eram todos epígonos de João Villaret, declamavam ao seu estilo e o seu reportório. Vasco Lima Couto declamou poemas nossos. Eu escrevi um texto sobre o espectáculo. Mais tarde, David-Mourão Ferreira levou-me para o Teatro Experimental do Salitre. Foi aí que me iniciei como actor, cenógrafo e figurinista, na peça "Isolda", de David-Mourão Ferreira, e que ainda hoje permanece inédita. Mais tarde fiz a peça "Contrabando", também de David-Mourão Ferreira, com Fernanda Botelho e Cecília Guimarães.

E o Teatro da Mocidade? _Aí trabalhei como director, foi uma época muito importante para mim. Jovens cheios de talento, como Rui Mendes, Morais e Castro, Francisco Nicholson, Fernanda Montemor, António Anjos, Alina Vaz, Catarina Avelar e muitos outros, começaram comigo a dar os primeiros passos no teatro.

Dada a sua ligação ao regime, teve dissabores depois do 25 de Abril? _Nada disso. Eu deixei o Teatro da Mocidade em 1968 e além disso nunca fui um político, sou sebastianista, aderi às teses do Quinto Império.

Fernando Pessoa também... _Pois foi, mas escondem essa faceta do poeta. Pessoa tinha uma grande paixão pelos ditadores, escreveu um belíssimo poema ao Miguel Primo de Rivera, quando ele morreu.

E escreveu violentamente contra o Salazar... _Isso é verdade, mas Fernando Pessoa escreveu contra o Salazar porque achava que ele era um ditador coitadinho, que não tomava café nem bebia vinho tinto. Considerava-o um pobre funcionário, burocrata, um verdadeiro pobre diabo. Pessoa gostava do Sidónio Pais, em cima de um cavalo e de espada na mão.

Como se define politicamente? _já disse que nunca fui político, sou um patriota que ama profundamente Portugal, apesar de metade de mim ser espanhol, a minha mãe era de Oviedo. É por isso que também gosto da grandeza espanhola, daquela pompa, do espectáculo. Como gosto da liturgia da Igreja, afinal sou um homem do Teatro. Quando me defino como quintoimperialista estou apenas a dizer que gosto do imperialismo no que ele tem de espectacular.

Portugal vai ser o centro do império? _Portugal para mim é e sempre será a aventura e o sonho, por isso sou sebastianista. Apaixona-me a grandeza do século das Descobertas, gosto dos reis sebásticos, D. António Prior do Crato, D. Pedro V, D. Miguel, os que hão-de vir para salvar a pátria. É verdade que depois dos Descobrimentos nunca mais fizemos nada de grandioso, mas temos de viver com a esperança no horizonte, algo há-de vir.

D. Sebastião, numa manhã de nevoeiro? _Que venha a ilusão, sou um poeta, tenho de participar nas utopias e nos sonhos, alimento a fogueira da ilusão.

O poeta Couto Viana continua na Távola Redonda?

Por acaso, estou a escrever numa linha mais próxima das origens, da estética dos cadernos da Távola Redonda, que fundei com David-Mourão Ferreira, Luiz de Macedo e Alberto de Lacerda. Os poemas de hoje, quase todos de 2004, vão ser publicados no livro "Restos de Quase Nada", mas deve ser uma obra póstuma. Este ano, a 24 de Janeiro, dia do meu aniversário, a Imprensa Nacional Casa da Moeda publicou toda a minha poesia, em dois volumes. A Caixotim Editores editou "O Velho de Novo" uma antologia de poemas extraídos de vários livros de poesia que fui editando ao longo da vida.

E a Ópera? _Nunca abandonei a ópera, continuo a encenar para a Companhia de Ópera de Câmara do Real Theatro de Queluz. Ainda este ano, encenei a "Serva Padrona". Gosto muito do trabalho de encenador, porque tem de melhorar sempre, como o escritor está sempre a emendar, nunca nada está perfeito. Afonso Lopes Vieira dizia que gostava de fazer muitas edições dos seus livros, para estar sempre a emendar.

Continua ligado ao Teatro? _Estive algum tempo afastado mas neste momento trabalho num projecto de teatro sacro. Aqui ao lado da Casa do Artista está o convento dos franciscanos. Eles têm lá um pequeno teatro, muito bonito, e vieram convidar-me para colaborar. Há muitos anos, Eduíno de Jesus, Azinhal Abelho e eu, tínhamos ideia de fazer teatro sacro. Esse projecto ressurgiu agora com os franciscanos. Vamos levar teatro sacro às romarias no Verão e no Inverno fazemos as representações no teatro do convento. Há muito material para representar, desde peças de Gil Vicente até ao teatro religioso.

Continua bom garfo e bom copo? _Continuo a trabalhar com a Confraria de Gastrónomos do Minho, faço intervenções nos congressos e conferências sobre a gastronomia minhota. Sou sócio de honra da Confraria Gastronómica do Alentejo, fiz uma oração de sapiência na Universidade de Évora. Vou escrevendo sobre gastronomia e esses materiais vão em breve ser publicados na Universitária Editora. O livro chama-se "Ao Sabor dos Sabores" e trata da gastronomia minhota mas também da cozinha tradicional portuguesa e internacional. Passo a vida a escrever, sobretudo prefácios e conferências. Ainda há dias fiz uma conferência sobre o poeta Pedro Homem de Mello.

Tem de continuar a trabalhar para viver? _As conferências e prefácios são de graça. Os editores não pagam os direitos de autor e até pior, há pouco tempo fizeram uma edição pirata do livro "Pedras do Céu", de Pablo Neruda, que eu traduzi. A reforma dá apenas para pagar a minha estadia na Casa do Artista. Vou vivendo do que recebo da Fundação Gulbenkian, pelo meu trabalho no Conselho de Leitura." -Texto Site SPA - Entrevista conduzida pelo jornalista Artur Queiroz.

(uma dedicatória que me escreveu)

Mercedes Sosa

(Mercedes Sosa e a Presidente Argentina Cristina Kirchner, em 2005)

Cantora argentina Mercedes Sosa morre aos 74 anos

04.10.2009

A cantor folk argentina Mercedes Sosa, que lutou contra as ditaduras fascistas na América do Sul com a sua potente voz e se tornou numa lenda da música latino-americana, morreu hoje, aos 74 anos.

Há vários dias que Mercedes Sosa estava internada no hospital, com problemas renais.

O corpo da cantora está já a ser velado no Congresso Nacional, em Buenos Aires, para que o público argentino possa despedir-se de uma das suas cantoras favoritas.

Carinhosamente apelidada de La Negra - devido ao seu cabelo preto e à tez morena - Sosa foi igualmente chamada de “voz de uma maioria silenciosa”, tendo sempre lutado pelos direitos dos mais pobres e pela liberdade política.

A sua versão da música “Gracias a la Vida”, de Violeta Parra, tornou-se um hino para os esquerdistas de todo o mundo, nas décadas de 1970 e 1980, quando foi forçada a exilar-se na Europa e os seus discos foram banidos.

As suas imagens de marca eram o seu cabelo comprido e os seus ponchos, que usava durante os espectáculos ao vivo, fazendo ouvir a sua voz poderosa.

Nas décadas de 1960 e 1970, Sosa foi uma das expoentes máximas do politizado movimento Nuevo Cancionero, que quis levar a música folk de regresso às suas origens.

Politicamente, Sosa foi membro do Partido Comunista e as suas simpatias políticas acabaram por a obrigar ao exílio, em 1979 (ano em que Jorge Videla encabeçou a junta militar), depois de ter sido presa - bem como toda a sua audiência - durante um concerto na cidade universitária de La Plata.

Sosa dizia frequentemente ser uma mulher de esquerda, mas que a sua única vocação era a música. “Eu nasci para cantar”, disse numa entrevista em 2005. “A minha vida é dedicada a cantar, a encontrar canções e a cantá-las (...) Se eu me envolvesse na política, teria que negligenciar aquilo que é mais importante para mim, a canção folk”.

Sosa nasceu o seio de uma família de trabalhadores, na província de Tucuman, a 9 de Julho de 1935. O seu primeiro contacto com a fama teve-o aos 15 anos, quando ganhou um concurso de talentos promovido por uma rádio local.

Especialista em interpretar as palavras de escritores, abraçou a poesia dos grandes autores argentinos e latino-americanos.

Apesar de, nos últimos anos, ter feito algumas experiências com o rock e com o tango, a sua raiz era a do folk. Era a esse estilo que voltava sempre.

Em 1982 Sosa regressou ao seu país natal, percebendo nessa altura que as suas canções tinham conquistado um público jovem e uma nova geração de fãs.

Numa série de concertos que marcaram o seu regresso aos palcos, fez-se acompanhar de músicos populares argentinos, como Leon Gieco e Charly Garcia, tendo depois iniciado uma digressão mundial que passou pela Europa e pelos Estados Unidos. Aqui arrebatou uma ovação de pé durante dez minutos, após a sua actuação no Carnegie Hall de Nova Iorque.

Sosa continuou a cantar até este ano, permanecendo muito popular e destronando até alguns artistas jovens nas tabelas de vendas.

O seu último álbum, Cantora (volumes 1 e 2) - uma colaboração com artistas como Shakira, Caetano Veloso, Joan Manuel Serrat e Jorge Drexler - foi um dos dez mais vendidos do ano e ganhou várias nomeações para os Grammys Latinos, que serão atribuídos no próximo mês.

Durante a sua carreira, Sosa recebeu ainda uma série de galardões que lhe reconheceram a luta em prol dos direitos humanos, incluindo um Grammy Latino e um prémio da UNESCO

Há já vários anos que Mercedes Sosa se debatia com problemas de saúde, mas nunca quis largar a música. Em 2001 deu uma entrevista em que disse: “Não sou nova nem bonita, mas tenho a minha voz e a minha alma, que me sai quando canto”. - In: Jornal Público Online

Deborah Kristal e Fernando Santos - A História e a Entrevista - Revista Time Out

De dia, Fernando Santos, 46 anos, homem tímido. À noite, no palco, Deborah Kristal, rainha da noite de Lisboa. Encostamo-nos ao balcão do Finalmente Club, à uma da manhã, à espera dele. Chega muito discretamente, pela mesma porta por onde entram os clientes. Irreconhecível, sem as plumase a purpurina. Leva-nos até ao camarim, ali ao lado. Mais apertado que o 58 à hora de ponta. Conversamos, enquanto chegam, para se maquilharem, os outros três travestis que o acompanham em palco: Betty Brown, Nyma e Samantha Rox. Fernando Santos tem ascendente. É o director artístico da casa. A sua personagem é a anfitriã dos espectáculos que todas as noites, às três da manhã, fazem encher a discoteca da Rua da Palmeira.
Vêm pessoas de toda a espécie, não só gays, para ver um show que é qualquer coisa entre o teatro de revista e os musicais de casino. Esperam que se abram as pobres cortinas e comecem a piscar as luzes em volta do palco, à moda dos concursos da RTP de má memória – a mística da coisa está toda nisto. Durante uma hora, há canções desgraçadas e orgulhosas. Êxito de bilheteira sempre assegurado.
Fernando Santos é artista há mais de 25 anos. Aos 17, largou a escola e arranjou emprego num pronto-a-vestir da Avenida de Roma. Um amigo cabeleireiro, com quem saía à noite, sugeriu-lhe uma vez que fosse trabalhar para a Fórmula Um, uma boîte na Amadora onde havia shows de travesti. Ele nunca tinha pensado numa coisa dessas, mas arregalou os olhos quando percebeu que era ali que tinha a independência financeira e a liberdade que procurava. Estreou-se como Susy Flower. Na época, início dos anos 80, Lisboa era um paraíso de travestis: só no Príncipe Real, recorda Fernando Santos, havia cinco casas com espectáculos regulares.
Em 1984, adoptou o nome Deborah Snake e passou para o Finalmente. Mas só por dois meses. Não gostou do ambiente e saiu. Andou em digressão, por bares, casinos e cabarets da Europa, e voltou ao Finalmente em 1994, já como Deborah Kristal e director artístico. Saiu mais uma vez em 1996. E regressou em 2000.
Mais do que travesti, considera-se actor. “Não é uma pretensão, são as pessoas que me dizem. E como não é uma nem duas, sou levado a concluir que é verdade e que não estou aqui para fazer de mulher só porque tenho uma pancada qualquer”, ironiza. De vez em quando, aparece noutros palcos, como o da discoteca Mister Gay, na Costa da Caparica. E é convidado para fazer cinema e teatro. Faz de Edgar no novo filme de Luís Filipe Rocha, A Outra Margem, que se estreia esta quinta-feira. E em Junho esteve na peça Desempacotando a Minha Biblioteca, na Gulbenkian.
O à-vontade com que dança e faz playback de divas como Shirley Bassey, Isabel Pantoja ou Rocío Jurado, as suas preferidas, é tudo representação. E o momento final do show, em que chama ao palco alguns espectadores, também. Eles (e elas) costumam ir a medo, mas Deborah Kristal trata-os sempre bem. “É tudo de improviso”, garante. “E mais não digo, é segredo. Os meninos novos [que querem ser travestis] que aprendam e batalhem como eu fiz.” O difícil, no entanto, não é isso. Nem o acertar com o playback. Nem o desenhar os vestidos, para uma costureira da Avenida da Liberdade fazer. “O que custa é ser homem e conseguir ter em palco tanta sensibilidade como uma mulher, ou mais ainda. É uma arte.” E, depois, é preciso não deixar que fora do palco os papéis se confundam. “Talvez nos primeiros tempos isso me tenha acontecido e hoje encontro nos mais novos alguma dessa confusão entre feminino e masculino.”
Ao fim de tantos anos, Fernando Santos está cansado da rotina e quer dar lugar às novas. “Estou a pensar transformar a minha vida mais uma vez”, confessa. “Esta casa garante-nos trabalho todos os dias, mas não tem condições para fazer um espectáculo que me realize e ultrapasse os meus limites.” Em breve, promete esquecer o travesti e dedicar-se só à produção de espectáculos.
Bruno Horta
quinta-feira, 25 de Outubro de 2007

Fernando Santos, 48 anos, conhecido na noite lisboeta como Deborah Kristal, dá corpo a Tónia em Morrer Como um Homem, a nova longa-metragem de João Pedro Rodrigues. Será projectada pela primeira vez em Portugal esta sexta-feira, dia 18, às 22 horas, como filme de abertura do Queer Lisboa, festival de cinema gay e lésbico (no Cinema São Jorge até ao dia 26). A estreia nas salas comerciais está prevista para Outubro.
Trata-se do terceiro filme em que Fernando Santos participa, depois de A Raiz do Coração (2000), de Paulo Rocha, e A Outra Margem (2007), de Luís Filipe Rocha. Desta vez, é protagonista.
Tónia é travesti e namora com Rosário, um heroinómano que quer que ele mude sexo. “Vais ficar sempre assim? Não és carne nem peixe. És um homem com mamas”, diz-lhe Rosário. Tónia resiste à ideia, mas aos poucos torna o seu corpo mais feminino. Será essa a sua tragédia.
Este filme vai pôr muita gente a pensar que, no fundo, todos os travestis gostariam de ser mulheres. Será assim? Muitas pessoas começam a fazer travesti porque têm de facto necessidade de exteriorizar o seu lado feminino. Com os anos, talvez tenham a sorte de saber separar as águas e perceber, como costumo dizer, que de homem não passam e a mulher não chegam. O travesti é uma arte e uma profissão, mas nem todos percebem isso.
Dá por si a chamar a atenção aos novatos que confundem transformismo com identidade sexual? Sem dúvida, muitas vezes. Comecei numa época [início dos anos 80] em que havia meia dúzia de referências que trabalhavam sem essa ideia de feminino fora do palco, mas nem todos têm a mesma sorte.
A vida terrível da personagem Tónia tem alguma coisa que ver com a realidade de hoje ou é um retrato dos loucos anos 80? Já é muito difícil encontrar tanta desgraça. Hoje as pessoas têm mais informação, têm outra cabeça.
E a parte da inveja entre travestis, que também vemos no filme. É passado? Infelizmente ainda acontece. É muito difícil conviver com isso quando se chega a determinado patamar da vida. Isso é feito às vezes de forma muito subtil e perigosa. Mesmo os travestis que já cá andam há alguns anos têm o ego lá em cima, o que é um grande problema.
A Tónia é inspirada na travesti Ruth Bryden [falecida há dez anos]? O fim de vida da Tónia é, sem dúvida, idêntico ao da Ruth Bryden, mas também é o fim de muitos outros travestis. Conheci muitas pessoas ao longo destes anos que podem ser a Tónia. A Ruth Bryden foi apenas o mote para o realizador. Há ali coisas que eu próprio vivi no auge da minha juventude, quando tinha 20 anos e fazia todas as loucuras dessa idade.
Que loucuras eram essas? A bebida, as noitadas, as drogas, o sexo. Fazia eu e faziam os actores e as coristas do Parque Mayer, com quem eu lidava. Ninguém ia para artista para se deitar às nove da noite e acordar às sete da manhã.
Mas hoje é muito certinho. Claro, se tivesse continuado não estaria aqui. Não bebo, não fumo, não me drogo, não faço nada, sou a pessoa mais careta do mundo.
Já conhecia o realizador? Não, nem sabia quem ele era. Foi um amigo comum que nos apresentou. Ele fez muita pesquisa com muitos travestis, quer os que são artistas, quer os que são prostitutos. Nas primeiras abordagens, eu não imaginava que ele me queria para fazer um filme. Estava apenas na fase da pesquisa, queria saber da minha história de vida, das minhas memórias, de situações trágicas ou engraçadas.
E já tinha visto algum filme dele? Nunca. O João Pedro Rodrigues é um excelente profissional, mas eu sou muito romântico e ele vai buscar para os filmes o lado mais difícil da vida. Não preciso mais disso. Quero continuar a alimentar a minha ingenuidade, se é que ainda posso fazê-lo nesta idade.
Vê este filme como o ponto alto da sua vida artística? É um agridoce. É como se o destino estivesse a pôr-me frente àquilo que já vivi e a dar-me razão quando tento fugir do estereótipo do que é um travesti. Acho que o filme é tão realista que assusta. Um travesti está todos os dias rodeado de pessoas embriagadas dentro de um bar, que vivem o dia-a-dia e vão ali descarregar as suas mágoas e frustrações. Essas pessoas projectam em nós aquilo que gostariam de ser e por isso dizem que somos as rainhas da noite e as maiores. Se eu fosse acreditar nisso, viveria numa mentira.
terça-feira, 15 de Setembro de 2009

As Obras Completas de William Shakespeare chegaram hoje aos 200 Mil Espectadores

Há fenómenos extraordinários que não se explicam... ou talvez se possam. Este de que vos irei falar talvez se consiga.

Falo-vos dos 12 anos em cartaz da peça de teatro As Obras Completas de William Shakespeare em 97 minutos, em cena desde então no Teatro Estúdio Mário Viegas, em Lisboa. E do impressionante número de 200.000 (duzentos mil) espectadores, atingidos em 03 de Agosto de 2009. E do não menos incrível número de digressões: 154. Trata-se do maior sucesso teatral de sempre em Portugal, em longevidade, público e digressões.

Como é que uma peça de teatro consegue manter, durante tanto tempo, o interesse do público, mantendo a frescura, a surpresa e a saudável "loucura", criando este enorme êxito?

Em primeiro lugar, o nome da peça. William Shakespeare é um nome por todos reconhecido mesmo para aqueles que julgam que Gil Vicente é apenas um clube de futebol. E ainda por cima, em 97 minutos, vêem-se as peças todas. E é assaz sabido que o português gosta disso. Despachar tudo no menor tempo possível. Afinal de contas, quantos de nós leram realmente os Os Lusíadas de Camões ou os Maias do Eça de uma ponta a outra? Muito poucos eu diria. Quem teve de ler na escola estes dois "calhamaços" fê-lo com toda a certeza pelos livrinhos fininhos de capa amarela e preta da Europa-América que resume tudo e ainda nos dá umas dicas de resposta para qualquer pergunta saida num exame. Tudo no menor esforço.

Depois, claro está, o sucesso da peça deve-se a Juvenal Garcês. Homem de teatro no sangue, fundou com Mário Viegas a Companhia Teatral do Chiado sendo esta peça a melhor homenagem ao maior actor do Teatro português do século XX. Inteligente, cómica e conta com a ajuda do público. Público esse que Mário Viegas respeitava e para quem trabalhava.

Em terceiro lugar, o sucesso deve-se à sua estrutura simples. Duas entradas (e saídas) e três actores em palco que, num ritmo estonteante e figurinos diversos, transportam-nos para as diversas personagens criadas por William Shakespeare. Falas dos próprios textos de Shakespeare, improvisos e referências actuais, vão fazendo o "up-grade" na estrutura textual da peça e aproximam o novo público à mesma.

Mas como não há teatro sem actores, cabe talvez a estes a maior responsabilidade do sucesso dos 12 anos desta peça. Nestes 12 anos, as Obras Completas de William Shakespeare em 97 minutos contaram já com 4 elencos diferentes (neste momento tem o elenco original com que estrearam a peça em Portimão, no Algarve) mas um manteve-se estoicamente desde a primeira representação até à actual. Refiro-me a Simão Rubim, rosto mais visível e reconhecível deste enorme sucesso. O homem das mulheres desta peça.

Estou convencido que a ele se devem, pelo menos, 6 anos dos 12 em que a peça se mantém em representação. Actor versátil, dinâmico, inteligente e imprevisível, mostra durante toda a representação a alegria que é o Teatro, mantendo a critica social e política acessa, especialmente quando chega o momento do seu stand-up comedy - trinta minutos bónus de teatro em que toma conta do palco, agiganta-se e leva o público a uma viagem inesquecível ao Portugal "dos pequeninos" fazendo, com a maior inteligência, a crítica mordaz ao mundo político, económico, social, cultural e religioso do nosso país. À boa maneira, aliás, do seu primeiro Mestre - Mário Viegas.

Estes são, para mim, os 4 factores principais que justificam o êxito desta peça. Ou talvez não sejam sequer estes. Não importa. O que interessa é que esta foi mais uma aposta ganha para a Companhia Teatral do Chiado, os seus actuais directores, actores, técnicos de som e luz, cenografos, figurinistas, produtores e, acima de tudo, a prova de que o público português não dorme e ainda consegue, como noutros tempos, separar o "trigo do joio".

A todos os meus mais sinceros parabéns e o meu infinito obrigado.

E agora, palavras de Carlos Fragateiro (ex-director do Teatro da Trindade e do Teatro Nacional D. Maria II), retiradas da página pessoal do Facebook do actor Simão Rubim (a quem foi pedida licença de retirar este excerto):

"Um caso destes é exemplar num panorama teatral português que vive centrado no umbigo dos criadores, sem nenhuma preocupação com os públicos, ou com o sentido de serviço público, ainda que seja um teatro fortemente subsidiado. O vosso sucesso tem que ser gritado por todo o lado, o vosso exemplo tem que ser tratado como um caso de referência, para que as coisas comecem a mudar, e as migalhas da cultura não continuem a ser distribuidas por projectos e obras que só interessam ao ego de quem as faz."

Tatuagem

Quarta-feira irei tatuar esta imagem nas minhas costas. Depois de muito reflectir, acabava sempre com esta imagem na ideia.

A razão aparentemente mais óbvia para tatuar este perfil de Amália Rodrigues é, claro está, a minha profunda admiração e estima pela pessoa que, e durante décadas ao longo do século XX, levou Portugal ao Mundo. E este ano passam dez anos da sua morte.

Mas há razões menos óbvias.

Eu queria algo com que me identificasse, mas que também me reportasse a outras coisas.

Em primeiro lugar a Portugal. País que amo profundamente e que continuo a acreditar ser capaz de grandes conquistas. No perfil de Amália podemos "ver" o perfil de Portugal.

Depois há os poetas, os escritores. Portugal é, desde as medievais Cantigas Trovadorescas, um dos paises com maiores e melhores tradições literárias do Mundo: D. Afonso V, D. Dinis, D. Duarte, Fernando Esguio, João Garcia de Guilhade, Paio Gomes Charinho, Luis de Camões - entre outros - até aos bem mais conhecidos poetas do séc. XIX e XX. Ora, a todos estes deu Amália a voz, reavivando-os.

Depois, claro está, temos o Fado. Género musical que muito me agrada onde, nos momentos melhores ou menos bons da vida, encontro sempre um reflexo, uma ajuda, um conselho, uma similitude. E é no Fado, e estou bem convicto disso, que se encontra reunida e unificada quase nove séculos (se não mais... ainda mesmo da ocupação árabe da Pensinsula Ibérica) do ser e sentir português. Seja o sentir alegre, de festa, de optimismo e grandeza, seja o sentir melancólico, por vezes triste, de um povo "entalado" entre uma Espanha forte e um mar assustador, sem que nos restasse outra grande alternativa que não fosse a Aventura.

Assim, ao escolher esta imagem, homenageio o Fado e os seus interpretes, músicos e poetas. Ao escolher esta imagem, compilo em mim a História de Portugal.

Esta imagem é também a forma de marcar, para sempre, as recordações de férias passadas em casa dos avós maternos, a quem "roubei" as primeiras cassettes da Amália que ouvi, onde me contaram as primeiras histórias sobre ela e onde li os primeiros livros sobre esta mulher e este género musical que nunca mais abandonei. Porque abandoná-lo era, de certa forma, abandonar-me. Descobrir o Fado foi, sem dúvida, descobrir-me a mim.

Tatuar esta imagem é não esquecer-me.

Outras razões existem... mas que não cabem aqui...

Toda a poesia – e a canção é uma poesia ajudada – reflecte o que a alma não tem. Por isso a canção dos povos tristes é alegre e a canção dos povos alegres é triste.
O fado, porém, não é alegre nem triste. É um episódio de intervalo. Formou-o a alma portuguesa quando não existia e desejava tudo sem ter força para o desejar.
As almas fortes atribuem tudo ao Destino; só os fracos confiam na vontade própria, porque ela não existe.
O fado é o cansaço da alma forte, o olhar de desprezo de Portugal ao Deus em que creu e também o abandonou.
No fado os Deuses regressam legítimos e longínquos. É esse o segundo sentido da figura de El-Rei D. Sebastião.

Fernando Pessoa

Vasco Granja faleceu aos 83 anos

A sua imagem e a voz ficará para sempre no imaginário colectivo de várias gerações de portugueses graças aos 16 anos em que concebeu e apresentou um programa televisivo que, para muitos, se tornou mítico, e que era conhecido pelo nome genérico de «Animação». Exibido entre 1974 e 1990, para além de exibir todos os «cartoons» de personagens norte-americanas como Bugs Bunny, Tom e Jerry ou Pantera Cor-de-Rosa, foi uma porta de entrada em Portugal de películas animadas das mais variadas latitudes geográficas, essenciais, por exemplo, na formação da geração de animadores portugueses que hoje dá cartaz no cinema internacional.

Mas a acção formativa de Vasco Granja foi muito para além da sua actividade televisiva, sendo uma figura importante na divulgação da banda desenhada em Portugal, graças à sua participação na incontornável revista «Tintin», entre 1968 e 1983, onde, por exemplo, seria essencial na publicação em Portugal da série «Corto Maltese», então muito criticada pelos leitores. Terá sido ele, aliás, o primeiro a utilizar em Portugal o termo «banda desenhada», em substituição da expressão então corrente de «histórias de quadradinhos», num artigo do «Diário Popular» de 1966 em que adaptou para o português a designação francesa «bande dessinée».

Vasco Granja nasceu em Campo de Ourique a 10 de Julho de 1925 e percorreu desde cedo vários empregos, desde os Grandes Armazéns do Chiado à Foto Áurea, passando pela Tabacaria Travassos, cultivando desde novo uma imensa paixão pelo cinema e pela literatura, que alimentava na Biblioteca Nacional e nas várias salas de cinema da baixa lisboeta.

A partir dos anos 50, aderiu de forma intensa à actividade cine-clubista, bem como à militância no Partido Comunista Português (PCP), de que se manteve defensor até ao fim da vida. Esteve preso dois anos, na sequência de actividades clandestinas no PCP, repartido por duas vezes: a primeira em 1954, por seis meses, e a segunda em 1963, por 18 meses, em que foi submetido a torturas físicas.

Ao longo dos anos 60, começou a frequentar os meios internacionais ligados à banda desenhada e ao cinema de animação, participando em algumas das primeiras manifestações internacionais de relevo do género, deslocando-se a Annecy em 1960 para participar na primeira edição do Festival Internacional de Animação, que hoje é o maior e mais importante do mundo, ou integrando a equipa fundadora da importante revista «Phénix», dedicada ao estudo da BD.

Na sequência da Revolução de Abril, as suas actividades culturais e a sua militância na esquerda levaram ao convite por parte da RTP para fazer uma série de programas dedicados à divulgação da animação. Faria mais de 1.000 emissões, muitas vezes com dois programas diferentes por semana (um para o sector infanto-juvenil, outro para o mais adulto), ininterruptamente até 1990. Além de toda a filmografia dos «cartoons» clássicos norte-americanos (foi um dos grandes defensores de Tex Avery e da Pantera Cor-de-Rosa), apresentou também a imensa produção animada canadiana (Norman McLaren foi um dos favoritos) e de todos os países de leste, sempre com introduções que ficaram gravadas na memória dos espectadores daquela época. Muitos filmes surpreenderam pela diferença e até estranheza, mas os universos que abriram foram explorados por toda a geração de animadores nacionais que hoje andam a conquistar prémios pelo mundo fora.

Funcionário desde os anos 60 na Livraria Bertrand, onde se manteve até à reforma (sempre foi colaborador da RTP, mas nunca funcionário), foi uma das figuras de proa da revista «Tintin», publicada entre 1968 e 1983, e que publicou tudo que de melhor se editou no eixo franco-belga da Europa entre as décadas de 50 e 80, sendo uma publicação também mítica para os portugueses dessa época. Aí respondeu a cartas dos leitores e publicou inúmeros artigos, de recuperação do passado mas também de defesa de correntes mais modernas da BD e também do cinema de animação.

Há, aliás, quem considera que a confusão que ainda hoje se estabelece em Portugal entre desenho animado e banda desenhada (continua a ser frequente o erro que são as expressões «livros de desenho animado» e «filmes de banda desenhada») é fruto da divulgação intensa que fez de ambas as formas de expressão artística nos diversos veículos que teve.

Reformado desde 1990, foi entretanto homenageado e premiado diversas vezes. Para várias gerações de portugueses, a imagem que dele fica é a da figura afável, de dicção inconfundível e entusiasmo transbordante, que soube mostrar que havia universos inteiros de conhecimento, na animação e na banda desenhada, para além da montra limitada que os olhos portugueses então conheciam. E mesmo quando apostou em propostas mais difíceis (o cinema experimental de McLaren, o novo estilo de desenho que Hugo Pratt veiculou em «Corto Maltese»), o tempo rapidamente se encarregou de lhe dar razão.

Vasco Granja é não só uma das figuras imorredoiras da história da televisão nacional mas, numa época em que a internet nem sequer era ainda uma miragem, um veiculador ímpar de conhecimento para várias gerações de jovens tão sedentos dele.

Luís Salvado - 04-05-2009

Maria da Fé - Medalha de Ouro da Cidade de Lisboa

Fadista
Maria da Fé distinguida com a Medalha de Ouro da Cidade de Lisboa nos seus 50 anos de carreira
A Câmara de Lisboa decidiu distinguir a fadista Maria da Fé, a celebrar 50 anos de carreira, com a Medalha de Ouro da Cidade, disse fonte autárquica

A fadista realizará em Junho, dias 25 e 26, dois espectáculos celebrativos do seu cinquentenário artístico, respectivamente em Lisboa e no Porto.

A fadista afirmou-se «muito satisfeita e honrada». «É sempre um momento gratificante, até como portuense que sou é um orgulho»,disse Maria da Fé que acrescentou ser até «quase um reconhecimento como alfacinha».

Actualmente a residir no bairro lisboeta da Madragoa, tendo a sua casa de fados «paredes-meias com a Lapa», a criadora de Cantarei até que a voz me doa (José Luís Gordo/Fontes Rocha) vive na capital desde 1961.

A fadista afirmou guardar «gratas recordações» de uma carreira que começou no Porto, de onde é natural, e que a levou a pisar «os mais importantes palcos do mundo».

A intérprete de Sem fé (Frederico de Brito) afirmou ter sempre pugnado «pela dignificação do fado». «Vivi só para o fado», frisou.

Maria da Fé candidatou-se com 14 anos ao concurso ‘Rainha das cantadeiras’, mas não foi apurada por ser menor de idade. Venceria este concurso no ano seguinte, e aos 17 anos, depois de ter realizado digressões com Amália Rodrigues pelo Norte do país, instalou-se em Lisboa.

Na capital integrou o elenco da prestigiada Adega Machado, e posteriormente da Parreirinha de Alfama, de Argentina Santos, tendo sido das primeiras fadistas a actuar no Casino Estoril.

Maria da Fé foi a primeira fadista a concorrer a um Festival RTP da Canção, em 1969, com Vento do Norte (Francisco Nicholson/António Braga dos Santos).

A sua primeira saída ao estrangeiro, recordou a fadista, foi em finais da década de 1960, «para actuar numa associação recreativa» em Newark (Nova Jérsia), Estados Unidos.

Deste então pisou «todos os mais importantes palcos», sem esquecer detalhes e guardando «gratas memórias» de alguns, nomeadamente os brasileiros.

A criadora de Obrigado, meu Deus obrigado (José Luís Gordo/Fontes Rocha), considera-se de um tempo «em que era ainda difícil actuar no estrangeiro, levar o fado para fora».

Reconhece que hoje «é mais fácil», mas salientou o seu papel, e o de outros fadistas, designadamente Amália Rodrigues, Carlos do Carmo e Fernando Machado Soares, na divulgação da canção nacional além fronteiras.

A criadora de Já sei meu amor, já sei (F. Radamanto/Casimiro Ramos), recebeu em 2005 a Medalha de Mérito Cultura do Ministério da Cultura e no ano seguinte o Prémio Amália Rodrigues para a Melhor Intérprete.

«Vivi só para o fado e a minha casa de fados é exemplo disso. Aqui canto todas as noites, mas todas as noites são diferentes. Nascemos com este condão, mas há que trabalhar todos os dias, há que burilar o estilo e forma de cantar» , afirmou a fadista, que ao longo da sua carreira mereceu várias outras distinções, como o Prémio da Imprensa, em 1970, e Medalha de Ouro da Cidade do Porto.

Lusa / SOL

Lagoa Henriques

Morreu o Mestre Lagoa Henriques

A última vez que estive com o Mestre Lagoa Henriques foi num jantar de homenagem, realizado no seu atelier, à actriz Maria do Céu Guerra. Aqui fica o "programa" do jantar, com um poema escrito pelo Mestre Lagoa Henriques a Maria do Céu Guerra.

Um dos seus últimos criativos foi a concepção/cenografia, juntamente com o Mestre Carlos Amado, do cenário para a peça "Antígona", estreada no ano passado no Teatro Cine-Arte, A Barraca, com a interpretação de, entre outros, Rita Lello, João d'Ávila, Zeca Medeiros, Ruben Garcia e Maria do Céu Guerra.

Aos 85 anos
Morreu o escultor Lagoa Henriques
22.02.2009 - 10h09 Lusa
O escultor Lagoa Henriques faleceu ontem à noite em Lisboa aos 85 anos de idade, de doença prolongada, informou hoje fonte da sua família.

O féretro de Lagoa Henriques, autor da escultura representativa do poeta Fernando Pessoa que se encontra na esplanada do Café Brasileira, no Chiado, em Lisboa, estará a partir de hoje em câmara ardente no seu atelier em Belém, também em Lisboa, a partir das 18h00 e até às 23h00, com funeral marcado para segunda-feira no Cemitério da Ajuda, às 10h30.

Mestre e motivador de sucessivas gerações de criadores artísticos, autor de desenhos e esculturas notáveis, poeta, conferencista e coleccionador de peças tão diversas como pinturas, conchas, livros, troncos de árvores e outros acervos, segundo o seu site na Internet, Lagoa Henriques "deixa um vazio" no círculo em que se movimentava.

Lagoa Henriques deixa uma obra marcada pela transfiguração das formas clássicas através do contacto directo com as pessoas, a cidade e a natureza. Exemplo emblemático dessa ligação das formas eruditas ao quotidiano é a estátuta que criou de Fernando Pessoa, sentado a uma mesa do Café A Brasileira, que o poeta frequentava para escrever e falar com os amigos.

António Augusto Lagoa Henriques, nascido em Lisboa a 27 de Dezembro de 1923, era grande admirador de Pessoa e de Cesário Verde. Dizia que Pessoa tinha sido o seu mestre da realidade interior e Cesário o mestre da realidade exterior, inspirando muitas das suas esculturas, como a do Grupo das Varinas.

O ensino foi outra grande paixão do escultor, que continou a dar aulas e a fazer conferências após completar 80 anos, nomeadamente na Escola de Superior de Belas-Artes do Porto e de Lisboa, e na Universidade Autónoma.

Costumava levar os alunos de desenho à rua para que tivessem contacto com o movimento da cidade, as pessoas, os elementos da natureza, aliando o ensino das formas clássicas à descoberta da realidade.

Foi na Escola de Belas-Artes de Lisboa que iniciou os estudos de escultura, em 1945, mas passados dois anos transferiu-se para a Escola de Belas-Artes do Porto, onde teve como referência principal da sua formação artística o professor Barata Feyo.

Finalizado o curso com nota máxima, conseguiu uma bolsa e foi estudar para Itália, orientado pelo escultor Marino Marini. Esteve ainda em França, Bélgica, Holanda, Grécia e Inglaterra, países onde conseguiu uma visão ampla do ensino do desenho e escultura que viria a introduzir em Portugal.

Regressado ao país natal, a sua carreira fica marcada, nos anos 70, pela destruição de um grande número de peças devido a um incêndio que eclodiu no seu atelier, em Lisboa.

Além da conhecida estátua de Fernando Pessoa, deixou muitas obras de arte pública em várias localidades, como o conjunto "União do Lis e Lena", no centro de Leiria, e a escultura de Alves Redol em Vila Franca de Xira, que causou polémica na altura, por ter retratado o escritor nu, apenas com a boina na cabeça.

Entre outros, recebeu o Prémio Soares dos Reis, o Prémio Teixeira Lopes, o Prémio Rotary Clube do Porto, o Prémio Diogo de Macedo e o Prémio de Escultura da II Exposição de Artes Plásticas da Fundação Calouste Gulbenkian.

Jornal "Público", 22 de Fevereiro de 2009

Morreu João Aguardela

Morreu artífice da música popular

João Aguardela, que em 1992 com os Sitiados pôs Portugal a cantar "esta vida de marinheiro está a dar cabo de mim/rapara para parapa raparaparê’’, morreu no domingo à noite, em Lisboa, vítima de cancro. Tinha 39 anos (faria 40 em Fevereiro) e a sua morte deixa mais pobre a música portuguesa.


Orgulhoso da tradição musical portuguesa, João Aguardela foi um visionário, um artífice da música popular portuguesa. Como matéria-prima elegeu as raízes profundas, que depois casava com sonoridades contemporâneas. Em 1994, tal ousadia valeu-lhe o Prémio Revelação atribuído pela Sociedade Portuguesa de Autores.

Além dos Sitiados, com quem lançou cinco discos desde a fundação em 1987 até 2000, a Aguardela se devem ainda vários outros projectos que tiveram a virtude de rejuvenescer a música portuguesa. Foram os casos de Megafone (recolhas etnográficas de Giacometti e José Alberto Sardinha com electrónica), Linha da Frente (cantando autores como Manuel Alegre, Ary dos Santos, Fernando Pessoa e Natália Correia, entre outros) e, mais recentemente, A Naifa, que conjuga o fado clássico com linguagens pop. Com este projecto lançou três discos, o último dos quais, ‘Uma Inocente Inclinação para o Mal’, data do ano passado. Exemplo da sua versatilidade (e disponibilidade), Aguardela fez ainda a banda sonora do documentário ‘Labirinto do Atum’.

O músico não quis velório e a cerimónia fúnebre realiza-se hoje (16h00) no cemitério do Alto de S. João, Lisboa.

TESTEMUNHOS

SABIA O QUE QUERIA E ERA UM ACTIVISTA: Zé Pedro, Músico, Xutos & Pontapés

Chegámos a tocar juntos no Estádio de Alvalade... Foi uma figura singular no nosso meio musical. Sabia o que queria e era um activista. Nunca baixava os braços.

PERDA IMPORTANTE E DEMASIADO CEDO: José Jorge Letria, Vice-presidente da SPA

Recebemos a notícia com surpresa e choque. Era um cooperador cordial e amigo. Com ele, perdeu-se um nome importante da nova geração de músicos. E demasiado cedo!

FAZIA COISAS COM SENTIDO: Adolfo Luxúria Canibal, Músico, Mão Morta

Fomos colegas de Direito e não estávamos juntos há muitos anos, mas, apesar de não trabalharmos no mesmo registo, eu percebia o que ele fazia. Fazia coisas com sentido.

Luís Figueiredo Silva - in: Correio da Manhã

Sitiados - Outro Parvo No Meu Lugar

Miriam Makeba 1932 - 2008

Miriam Makeba morre após concerto anti-máfia

A cantora sul-africana Miriam Makeba, conhecida como "Mama Africa", morreu domingo à noite em Itália ao sair do palco, depois de ter actuado num concerto de apoio a um jornalista ameaçado de morte pela máfia napolitana.

A agência noticiosa italiana ANSA referiu que Makeba terá sofrido um ataque cardíaco no final do concerto, em que participaram vários artistas e que foi dedicado ao jornalista e escritor italiano Roberto Saviano, ameaçado pela Camorra.

"Ela foi a última a subir ao palco, depois de vários outros cantores. Houve uma chamada ao palco, e nesse momento alguém perguntou aos microfones se havia um médico na assistência. Miriam Makeba tinha desmaiado", relatou.

Cerca de um milhar de pessoas assistiram ao concerto em Caltel Volturno, considerado um dos bastiões da máfia napolitana e onde seis imigrantes e um italiano foram abatidos em condições obscuras em Setembro passado.

Roberto Saviano é autor do best-seller "Gomorra", um livro sobre a Camorra que foi adaptado ao cinema e mereceu o prémio do júri no último festival de Cannes, além de ter sido escolhido para representar a Itália nos Óscares.

Convertida num dos símbolos da luta anti-"apartheid", Miriam Makeba, nascida em Joanesburgo em 04 de Março de 1932 e cujo título "Pata, Pata" a tornou conhecida em todo o mundo, sempre defendeu nas suas canções o amor, a paz e a tolerância.

A cantora, a quem chamavam "a imperadora da canção africana" deixou a África do Sul em 1959.

Viveu no exílio durante 35 anos nos Estados Unidos, França, Guiné e Bélgica antes do seu emotivo regresso a Joanesburgo em 1990, quando regressaram muitos exilados sul-africanos ao abrigo de reformas instituídas pelo então presidente F.W. de Klerk.

"Nunca percebi por que é que não podia voltar ao meu país", disse Makeba quando regressou: "Nunca cometi nenhum crime".

Sul-Africanos homenageiam a cantora

Sul-Africanos de todas as origens e dos mais diversos pontos do país têm prestado homenagem à cançonetista.

Numa nota distribuída, a ministra dos Negócios Estrangeiros sul-africana, Zuzama Nzuma, descreveu Miriam Makeba como "uma das melhores cançonetistas de todos os tempos que morreu a fazer o que sabia fazer melhor: a comunicar uma mensagem positiva através da arte do canto".

"Ao longo de toda a sua vida Mama Makeba comunicou uma mensagem positiva ao mundo sobre a luta do povo sul-africano e sobre a certeza da vitória sobre as forças sombrias do apartheid e colonialismo através da suas canções", conclui a nota de condolências do governo e do presidente Kgalema Motlanthe.

No 60º Aniversário do Nascimento de Mário Viegas

"ANTÓNIO MÁRIO LOPES PEREIRA VIEGAS

Nasceu em Santarém em 10 de Novembro de 1948, às 23.30h, meia-Hora antes do Dia de S. Martinho.

É do signo Escorpião no Hemisfério Ocidental e do Rato no Hemisfério Oriental.

Trineto, por via paterna, do grande Actor Cómico do século XIX Francisco Leoni, Bisneto de Francisco José Pereira, Republicano, Deputado e Senador por Santarém na Primeira Assembleia da Primeira República, sendo saneado de Director Geral do Congresso no 28 de Maio.

Neto e filho de Republicanos e Anti-Fascistas, duma família paterna toda ligada ao ramo Farmacêutico.

Neto por via materna, de um dos fundadores da Amadora, António Cardoso Lopes e sobrinho, do famoso hoquista Álvaro Lopes (8 vezes campeão do mundo), e Tiotónio (um dos pioneiros da Banda-Desenhada em Portugal e criador do semanário “O Mosquito”), e de Augusto Lopes (inventor e criador do sistema do Cinema foto-sonoro em Portugal), sendo a sua Mãe licenciada em Grego Clássico, Latim. Viveu a sua infância e adolescência em Santarém, onde estudou no Liceu Sá da Bandeira e onde se estreia como Actor-Recitador amador com o Coro de Amadores de Música, dirigido pelo Maestro Fernando Lopes-Graça, com 16 anos, em substituição da ex-Actriz e Declamadora Maria Barroso.

Fica logo com a sua primeira ficha na P.I.D.E.

Não tem pre-conceitos sexuais. Sendo scalabitano, gosta de touros, cavalos, mulheres, homens, vinho branco ou tinto, sabe dançar o fandango e já pegou uma vaca em 1967.

Frequentou a Fac. de Letras de Lisboa em 1966/67 e 1967/68 e a Fac. de Letras do Porto em 1968/69, onde termina o 3º ano do Curso Superior de História. Faz parte da Crise Académica de 1969, como Recitador e Agitador no Porto e em Coimbra.

Nunca esteve filiado em nenhum Partido ou Clube Desportivo, nem nunca foi convidado para tal.

Não tem nenhuma ficha na P.S.P. ou na Polícia Judiciária por actividades ilícitas e/ou imorais.

É solteiro e não tenciona casar oficialmente.

É-lhe retirado o Adiamento Militar, por actividades políticas e é proibido de actuar como Actor e Recitador quer públicamente, na antiga Emissora Nacional e na R.T.P.

Os seus discos de Poesia são proibidos de passar na Rádio, até ao 25 de Abril de 1974.

Cumpre o Serviço Militar Obrigatório como Oficial entre Outubro de 1971 e Outubro de 1974, tendo a sua Caderneta Militar os mais altos louvores pela disciplina militar.

É-lhe dada a especialidade e o curso de Acção Psicológica e Propaganda do Exército (A.P.S.I.C.), sendo re-classificado quando estagiava na 2ª Repartição do Estado-Maior do Exército em 1972. É-lhe dado um cargo de Instrutor de Combustíveis e Lubrificantes no Quartel do Campo Grande (E.P.A.N.), de onde é afastado no dia 22 de Abril de 1974.

Assiste e participa desde as 11H00 da manhã, ao golpe-militar do 25 de Abril, no Largo do Carmo. Às 19H00 na Rua António Maria Cardoso e participa na primeira tentativa Popular de assalto à sede da P.I.D.E.-D.G.S.

Faz parte da Extinção da P.I.D.E.-D.G.S. e Legião Portuguesa desde o início de Maio de 1974 até Outubro de 1974, como Oficial-Miliciano do M.F.A., de onde é afastado.

Após proibição em Conselho de Ministros, da peça “EVA PERÓN”, de Copi, (de que era protagonista e que seria a primeira encenação de Filipe La Féria), em Janeiro de 1975, sai de Portugal entre inícios de Maio de 1975 até finais de Setembro de 1975, indo viver para Copenhaga, Dinamarca, desiludido com a situação política do país.

Como Independente, participou “de borla” em algumas campanhas e espectáculos ao vivo e na televisão do P.C.P. (1977), do P.S.R. e da U.D.P., até 1994. Está arrependidíssimo! Abre uma excepção à U.D.P.

Apoiou públicamente a candidatura à Presidência da República do Engº Carlos Marques nas últimas eleições Presidenciais.

Foi leitor durante 2 anos (1987, 1988), dos comunicados do dia 25 de Abril de Otelo Saraiva de Carvalho, quando este esteve preso em Caxias (caso FP25). Não ganhou nada com isso!

Foi alcoólico Público e Anónimo, encontrando-se completamente recuperado.

É Fumador activo e passivo, careca e práticamente cego do olho esquerdo.

Estreia-se como Actor profissional em 16 de Fevereiro de 1968 no Teatro Experimental de Cascais. Trabalhou diariamente durante 30 anos no Teatro, Cinema, Disco, Rádio e Televisão como Actor, Empresário, Encenador e Cenógrafo, com o nome artístico de Mário Viegas. Ao contracenar com Marcello Mastroianni em 1994 descobriu que não conseguiria ser o Maior Actor de Portugal, da Europa e do Mundo, de Teatro e Cinema; o mais popular Cómico do País e com maior unanimidade; ter um lugar em Hollywood; representar em francês, espanhol, inglês ou japonês. Desiludido e revoltado decide encetar a carreira mais fácil, menos efémera e com reforma assegurada: PRESIDENTE DA REPÚBLICA de Portugal, Açores, Madeira, Macau e Timor-Leste.

As Sondagens dão-lhe 93,4% de intenção de voto.

Não sabe o que quer para o País, mas o País sabe o que quer dele!

Não quer ser o Presidente de todos os Portugueses!

Tem como Lemas da campanha a frase de Eduardo de Filippo: “Os Actores vivem a sério no Palco, o que os outros na Vida representam mal”; e “Nesta Pátria onde a Terra acaba e o Mário começa!”.

Slogans da campanha:

“VIEGAS AMIGO ! O MÁRIO ESTÁ CONTIGO !!”

“MÁRIO SÓ HÁ UM ! O VIEGAS E MAIS NENHUM !”

“O MÁRIO QUE SE LIXE ! O VIEGAS É QUE É FIXE !”

Foi agraciado por sua Exª o actual Presidente da República, o Sr. Dr. Mário Soares com a Comenda da Ordem do Infante D. Henrique, sendo pois, Comendador da Ordem do Infante D. Henrique.

Mário Viegas"

Texto retirado da "Auto-Photo Biografia (não autorizada), de Mário Viegas

Natália Correia

Natália Correia é uma das mulheres que mais admiro desde há muitos anos. Sempre me fascinou a postura, a imagem altiva, bela e quase desumana porque divina, a maneira de falar e, mais tarde, quando descobri a sua escrita, a sua poesia, a sua prosa, os seus discursos parlamentares, os seus discos.

Lembro-me em miúdo ficar parado frente ao televisor quando a via. Não percebia por completo as coisas que dizia e falava mas algo de quimíco, mágico, acontecia porque me paralisava.

Quando descobri o prazer de andar em lojas de vinil a vasculhar, reencontrei-a. Reencontrei-a no disco "Cantigas de Amigos", com Amália Rodrigues e Ary dos Santos, no disco "Cantigas de Amôr e de Amigo dos Trovadores Galego-Portugueses", com adaptação e declamação da própria Natália e no disco "Improvisos", com o Maestro António Victorino de Almeida onde, além dos seus dotes declamatórios, Natália Correia expõe a sua extraordinária voz de quase cantora lírica.

Veio depois o aprofundamento da literatura.

Primeiro a sua poesia:

"ODE À PAZ

Pela verdade, pelo riso, pela luz, pela beleza,
Pelas aves que voam no olhar de uma criança,
Pela limpeza do vento, pelos actos de pureza,
Pela alegria, pelo vinho, pela música, pela dança,
pela branda melodia do rumor dos regatos,
Pelo fulgor do estio, pelo azul do claro dia,
Pelas flores que esmaltam os campos, pelo sossego, dos pastos,
Pela exactidão das rosas, pela Sabedoria,
Pelas pérolas que gotejam dos olhos dos amantes,
Pelos prodígios que são verdadeiros nos sonhos,
Pelo amor, pela liberdade, pelas coisas radiantes,
Pelos aromas maduros de suaves outonos,
Pela futura manhã dos grandes transparentes,
Pelas entranhas maternas e fecundas da terra,
Pelas lágrimas das mães a quem nuvens sangrentas
Arrebatam os filhos para a torpeza da guerra,
Eu te conjuro ó paz, eu te invoco ó benigna,
Ó Santa, ó talismã contra a indústria feroz,
Com tuas mãos que abatem as bandeiras da ira,
Com o teu esconjuro da bomba e do algoz,
Abre as portas da História,

deixa passar a Vida!"

(outras poesia em:

http://conversamuitaconversa.blogspot.com/2006/12/natlia-correia.html

http://conversamuitaconversa.blogspot.com/2005/03/queixas-das-almas-jovens-censuradas.html)

Depois a sua prosa:

Do livro Descobri que era europeia

"Trouxe curiosidades para a América. E não as levo no regresso. Também não levo certezas. Nenhuma das minhas curiosidades foi satisfeita. Deixo-as aqui, como um tributo à alta montanha que o pequeno esquilo não logra trepar. Não foi medo nem desesperança que me tolheram os passos na escalada. Foi a simples verificação dum facto: a América é um problema de que só ela tem a chave. A solução desse problema só interessa aos americanos. Se tentarmos compreendê-la, partindo de nós próprios, da nossa concepção do que ela "possa ser", escolhemos o caminho mais longo, porque nós somos estruturalmente diferentes.
Apontar as diferenças que nos extremam seria a recapitulação da História.
Ponhamos, pois, a questão nestes termos: gostei ou não gostei da América?
Ainda aqui a minha posição é ambígua. É tão impossível gostar da América como não gostar. Isto traduz-se num sentimento abstracto: o da fascinação. E qual é a fonte donde brota essa fascinação? O enorme tablado onde se desenrola a esotérica urdidura da tragédia americana. O seu esoterismo não é o inviolável segredo dos deuses. É a crise do desenvolvimento. Uma puberdade física e mental que convive, no seu âmago, com os fantasmos das coisas irreveladas. Nas suas células em formação ferve o sangue coagulado de várias taras sem poros para se evaporarem, a neurastenia da solidão acompanhada, um romantismo turbulento e um puritanismo mórbido. Objectiva e utópica, intransigente e tolerante, aventureira e calculista, arrebatada e grave, magnânima e egoísta, franca e enigmática, tudo de bom e de mau, de elevado e de mesquinho, nela existe em potencial, como num barro tosco a que o cinzel dos séculos ainda não deu forma.
É a antítese da tragédia europeia filtrada no cristal do tempo: a serenidade clássica da experiência e da razão.
Os americanos transmitem-nos a angústia do inacabado. Eles não são completamente generosos, nem completamente egoístas; não são completamente cordiais, nem completamente hostis. São seres por revelar.
Agosto de 1950"

E as suas sessões parlamentares, principalmente com o famoso episódio do deputado Truca Truca.

Durante uma discussão na Assembleia sobre o aborto, 1982, o deputado do CDS, João Morgado, que só tinha um filho, opunha-se à legalização do aborto, argumentando que o coito era apenas para procriar [assim na escola da Manuela Ferreira Leite]. A deputada e poetisa do PRD que era a favor do aborto, alcunhou-o ali mesmo de deputado Truca-Truca e, na hora, fez estes versos dirigidos ao mesmo. Nunca mais tal deputado pôs os pés na Assembleia da República.

«Ficou capado o Morgado»
1982

Já que o coito, diz o Morgado,
tem como fim cristalino,
preciso e imaculado
fazer menina ou menino
e cada vez que o varão
sexual petisco manduca,
temos na procriação
prova de que houve truca-truca,
sendo só pai de um rebento,
lógica é a conclusão
de que o viril instrumento
só usou - parca ração - uma vez.
E se a função faz o órgão - diz o ditado -
consumada essa excepção,
ficou capado o Morgado»

(Para ler um dos mais brilhantes discursos parlamentares de Natália Correia: http://conversamuitaconversa.blogspot.com/2005/12/notvel-discurso-da-deputada-natlia.html)

E agora, do disco Improvisos, Natália Correia canta e declama:

A Donzela de Biscaia


Queixa das Almas Jovens Censuradas


Quarto


Árvore Geniológica


Cabelos os Meus Cabelos


Depois disto, tudo o que diga é mau Latim. Fica a Homenagem.

(Clique na Imagem)

Homenagem dos 9 anos passados sobre a Morte de Amália Rodrigues no blog Filosofia Duma Manta de Retalhos

Diniz Machado

Morreu o escritor Dinis Machado

O escritor Dinis Machado morreu esta sexta-feira em Lisboa, aos 78 anos, disseram à agência Lusa as editoras Bertrand e Assírio & Alvim.

O corpo do escritor estará ainda esta sexta-feira em câmara ardente na capela mortuária da Igreja de Santa Catarina, em Lisboa, indicou fonte da Assírio & Alvim.

O ministro da Cultura, José António Pinto Ribeiro, afirmou que a morte de Dinis Machado é "uma grande perda para a literatura e para a escrita portuguesa".

"É uma pena que tenha morrido", declarou à Lusa o ministro, sublinhando que era amigo do escritor, "um homem com uma sabedoria de vida extraordinária", que "gostava muito da vida e dos prazeres da vida".

"Dinis Machado era um escritor que soube encarnar o que são as questões da vida, da vida de um bairro, da vida do Bairro Alto, da vida popular, de uma festa popular, da experiência, da aventura, de tudo aquilo, como um dia disse Luiz Pacheco, numa espécie de cavalgada furiosa de episódios, com uma extraordinária proximidade do que é a vida", disse Pinto Ribeiro.

A sua escrita reproduziu essa "cavalgada furiosa", afirmou o ministro, destacando "O que diz Molero" como "uma coisa única" na literatura portuguesa.

Nascido a 21 de Março de 1930, em Lisboa, Dinis Machado foi jornalista desportivo, crítico de cinema e dedicou-se também à banda desenhada.

O seu maior êxito como escritor foi o romance "O Que Diz Molero", editado em 1977 e reeditado em 2007, no dia do seu 77.º aniversário, e já adaptado ao teatro.

Sob o pseudónimo Dennis McShade, escreveu alguns policiais, que estão agora a ser reeditados pela Assírio & Alvim.

In: Jornal de Notícias

Paul Newman

1925-2008 Paul Newman Era grande, muito grande

28.09.2008, Luís Miguel Oliveira

Actor, realizador, marido, político, piloto de automóveis, team owner, cozinheiro, empresário, filantropo e com certeza ainda mais alguns et cetera. Poucos poderiam recitar com tanta propriedade o célebre poema de Walt Whitman: "I am large, I contain multitudes". Paul Newman era muito, muito grande. Por Luís Miguel Oliveira

"Há alguns que são actores natos, intuitivos. Eu não. Representar, para mim, é tão difícil como dragar um rio. É uma experiência dolorosa. Não tenho, muito simplesmente, nenhum talento intuitivo. O meu trabalho inquieta-me e estou sempre a queixar-me das minhas representações." Paul Newman dizia isto em 1959, e não consta que alguma vez o tenha substancialmente desdito. São palavras que, no seu esboço tipológico (os "intuitivos" e os outros), o definem bem como actor, e explicam alguma coisa da sua qualidade discreta e meticulosa, da sua exuberância controlada: os "intuitivos", para quem tudo parece fácil, gostam de deixar um rasto do trabalho, gostam que se veja que houve trabalho; os outros, aqueles para quem tudo parece difícil, tentam apagar as marcas do trabalho que fizeram, para que o resultado seja limpo, fluido, como se feito por intuição. Trabalho duro, muito duro: "Quando começámos a ensaiar, Paul insistia tanto nos mais pequenos pormenores que eu pensei: 'Nunca mais vamos sair daqui!'", disse Robert Rossen acerca da rodagem de The Hustler (A Vida é um Jogo) (1961), o filme que deu a Newman um dos seus mais célebres papéis, o de Fast Eddie Felson, ás do snooker, depois retomado por Martin Scorsese em A Cor do Dinheiro (1986).
Fast Eddie Felson foi há quase meio século. Newman retirou-se do cinema em Maio do ano passado, pouco antes de anunciar estar doente com um cancro de pulmão, e morreu na sexta-feira, aos 83 anos. A notícia foi avançada ontem por Vincenzo Manes, presidente da fundação italiana Dynamo Camp di Limestre, criada pelo actor, e foi depois confirmada pela porta-voz da família, Marni Tomljanovic. Newman, dez vezes nomeado para os Óscares, a mais recente das quais em 2003, nasceu a 26 de Janeiro de 1925 em Shaker Heights, perto de Cleveland, no Ohio. Esteve internado parte deste ano, para tratamentos de quimioterapia, mas no princípio de Agosto, quando se soube que poderia ter apenas semanas de vida, pediu para ter alta: disse que queria morrer em casa com as cinco filhas e a mulher, a também actriz Joanne Woodward, com quem esteve casado 50 anos.

Dean, Brando e os outros

De certeza que Newman estava a pensar em Marlon Brando quando se colocou de fora do grupo dos "intuitivos". Brando, apenas um ano mais velho, e seu grande amigo, foi sempre um "fantasma" para Newman. "Um dia, hão-de dizer que Brando é que é parecido comigo!", costumava dizer, num ligeiro complexo de inferioridade resolvido com bom humor (e provavelmente numa altura em que Newman não podia prever o "monstro" disforme em que o envelhecido Brando se tornaria). Brando, o "intuitivo", o "animal de cena", o "actor esmagador", emblema da nova geração de leading men do cinema americano do pós-II Guerra, aquele com quem todos eram comparados. Brando, o insaciável, Newman, a encarnação da modéstia; verdade, mas, como escreveu um crítico americano, havia alguma coisa de reconfortante no facto de ser impossível imaginar Paul Newman a encher a boca de algodão (como Brando no Padrinho) ou a alinhar nas tropelias sexuais do tipo das de O Último Tango em Paris. E nos últimos anos, quando Brando já não cabia em filme nenhum que não fosse feito à sua medida, Newman, sempre criterioso na escolha dos papéis, soube envelhecer graciosa e discretamente - e o facto é que quase toda a sua filmografia dos últimos 25-30 anos vale a pena, nalguns casos (como o par de filmes feito com Robert Benton, Vidas Simples, em 1994, e Twilight, em 1998) reflectindo mesmo, com mais angústia ou com mais bonomia, o seu próprio envelhecimento (em Twilight há um rumor persistente que põe em causa a virilidade da sua personagem).

"Stanislavski e blue jeans", assim definia a revista inglesa Sight and Sound, num artigo de 1955, a nova geração de actores que fizera o trajecto entre o teatro de Nova Iorque e o cinema de Hollywood. Newman era um deles, posto ao lado de James Dean (que morreria poucas semanas depois) como candidato a "novo Brando" ou a "novo Montgomery Clift". Esta nova geração, para além de Stanislavski e dos blue jeans, definia-se por um tipo de sensibilidade atormentada que cavava uma diferença para os actores da velha guarda de Hollywood. Uma "nova psicologia", por assim dizer, a psicologia com que os milhares de rapazes americanos que tinham combatido na II Guerra - e tinham voltado dos desertos do Norte de África ou das selvas do Pacífico com a certeza de que o mundo e a humanidade eram um pouco mais complexos do que o que lhes tinham dito - se podiam identificar. Brando e Clift, por exemplo, entraram no cinema em filmes directamente sobre o assunto, a fazerem de veteranos de guerra em The Men e em The Search, respectivamente (ambos filmes de Fred Zinnemann). Newman, que tinha feito os últimos meses da guerra do Pacífico (como operador de rádio a bordo de um avião torpedeiro, depois de lhe ser diagnosticado um leve daltonismo que o impediu de ser piloto), levou sempre um bocado a mal que o seu primeiro papel em cinema tenha sido uma coisa muito mais inócua, uma espécie de peplum chamada The Silver Chalice e realizada por Victor Saville. Tanto assim que, já nos anos 70, numa ocasião em que o filme ia ser exibido na televisão, pagou um anúncio de jornal de uma página inteira a dizer às pessoas que o filme era mau e a pedir-lhes que... não o vissem. Mas os dez anos seguintes, e os filmes feitos nesse período, não lhe deram tanto de que se queixar: Marcado pelo Ódio (1956), de Robert Wise, no papel do pugilista Rocky Graziano que estava destinado a James Dean; Vício de Matar (1958), de Arthur Penn, na pele de um Billy the Kid "moderno", precursor do olhar que o mesmo Penn dedicaria a outros anti-heróis, Bonnie e Clyde, dez anos mais tarde; a prova de que também funcionava em registo cómico em A Morena Ardente, de Leo McCarey, contracenando com Joanne Woodward no mesmo ano em que se casou com ela; os filmes realizados por Martin Ritt (The Long Hot Summer, em 1958, e Hud - O Mais Selvagem entre Mil, em 1963), o citado A Vida é um Jogo e ainda o par de filmes, feitos por Richard Brooks e baseados em peças de Tennessee Williams, Gata em Telhado de Zinco Quente (1958) e Corações na Penumbra (1962), talvez os filmes que melhor jogam com a criação de uma ambiguidade nascida no espaço entre os good looks de Newman e a tortuosidade psicológica das suas personagens. De resto, se Newman cultivava o aspecto e a forma atlética (fumava que se fartava, mas era um desportista) e tinha plena consciência da importância que isso tinha na sua carreira, os filmes deste período trabalham frequentemente uma ameaça à integridade física e mesmo à masculinidade "icónica" - fica com a cara num bolo no filme do pugilista, partem-lhe as mãos em A Vida É um Jogo, anda de muletas em Gata em Telhado de Zinco Quente, é desfigurado à pancada no final de Corações na Penumbra (na peça de original de Williams a personagem era castrada).

Chegado a 1963, com o sucesso de Hud (que lhe valeu a terceira nomeação para um Óscar que só ganharia nos anos 80 com o filme de Martin Scorsese), Newman estava definitivamente imposto como uma das maiores stars de Hollywood. Começa então a transição para uma meia-idade mais calma, e nada isenta de alguma auto-ironia. Disposto a correr alguns riscos, Newman alinha em "experiências" como filmar com Hitchcock (em A Cortina Rasgada, de 1965) ou com o seu amigo Robert Altman (dois filmes nos anos 70), ao mesmo tempo que arranca alguns dos seus filmes mais populares - como O Presidiário (Stuart Rosenberg, 1967) e os filmes em parceria com Robert Redford e o realizador George Roy Hill (Dois Homens e um Destino e A Golpada, em 1969 e 1973).

Estes anos, 60/70, são os anos em que Newman se vai dedicando, cada vez mais, a outros interesses e actividades. A realização, em primeiro lugar. A sua majestosa carreira de actor não nos deve fazer esquecer de que ele foi também um dos mais delicados e secretos cineastas americanos das últimas décadas: cinco filmes entre 1968 e 1987, em que o zénite talvez seja A Influência dos Raios Gama no Comportamento das Margaridas, filme feito para uma actriz que idolatrava, a mulher, Joanne Woodward, e incluindo, em Harry and Son (1981), a "expiação" de um drama familiar (a morte de um dos seus filhos, por overdose) e, em O Jardim Zoológico de Cristal (1987), um regresso a Tennessee Williams para uma espécie de fecho do círculo aberto nos anos 50 dos seus inícios. Na viragem de 60 para 70 Newman andou também bastante envolvido na política (num contexto democrata), com o seu amigo e rival Marlon Brando; experiência frustrante: "Ninguém queria saber de nós para nada". Se representar era "difícil", Newman descobriu por essa altura a única coisa que, sic, "fazia com graça e souplesse": ser piloto de automóveis. Por volta dos 50 anos iniciou uma carreira de piloto semiprofissional que incluiu um segundo lugar nas 24 Horas de Le Mans e um lugar no Guinness como mais velho vencedor (aos 70 anos...) de uma prova oficial (as 12 Horas de Sebring). Tinha a sua própria equipa e, há algumas semanas, quando foi anunciado que Newman tinha os dias contados, também se disse que tinha telefonado ao seu team manager pedindo-lhe que preparasse um carro para poder ir dar "umas últimas voltas". Nos anos 70, os jornalistas pensaram ter descoberto o "lado negro" de Newman na sua paixão pelos automóveis, que só podia ser a expressão de um death wish; Newman riu-se do disparate, era só uma coisa que gostava muito de fazer, "a Joanne vai para a ópera e eu vou para as corridas, é assim que um casamento funciona". O casamento de 50 anos com Joanne Woodward era, claro, outro pormenor distintivo na vida de Newman, verdadeira raridade no meio da volatilidade sentimental de Hollywood. Mas Newman nunca foi o "hollywoodiano" típico: os lucros dos seus molhos para saladas (e da linha de produtos alimentares Newman's Own, espantosamente bem sucedida) vão inteiros para organizações de caridade.

Actor, realizador, marido, político, piloto de automóveis, team owner, cozinheiro, empresário, filantropo e com certeza ainda mais alguns et cetera. Poucos poderiam recitar com tanta propriedade o célebre poema de Walt Whitman: "I am large, I contain multitudes". Paul Newman era muito, muito grande.

In: jornal Público

Fica para mim na memória o filme Gata em Telhado de Zinco Quente, com Elizabeth Taylor...